Metales pesados

En proximidad con el pensamiento de Theodor W. Adorno, El pathos de la distancia crítica se propone pensar la dialéctica negativa como una práctica de cuestionamiento autorreflexivo de la crítica y su estructura normativa. A lo largo de estas páginas, Carlos Casanova examina la operación más elemental de la teoría, a la luz de su inscripción epistemológica y jurídica, no en su confirmación como aparato racional en el movimiento especulativo –según el principio de identidad–, ni como una simple operación jurídica de distanciamiento y autorización. Más allá de la crítica como juicio, este libro acoge la resistencia negativa de la crítica a su propia operación de totalización. En el ocaso de la metafísica, dicha resistencia hace frente a la razón instrumental y a la normatividad del derecho mediante la reflexión sobre su propio medio de articulación: el modo en que la crítica se expresa ante el cuerpo que sufre. Para el autor, este gesto –esta particular forma de comportamiento— responde al pensamiento que, ante el fracaso del fundamento, consigna la imposibilidad de una vida ética efectiva, al mismo tiempo que vislumbra en esa fractura la promesa impedida de una vida sin sufrimiento.

Con el propósito de contribuir al debate en torno a lo documental en un presente en que la tensión entre ficción y realidad se encuentra entre límites difusos, Memorias performativas reúne miradas que develan los procedimientos de cierto cine documental en Chile, Argentina, Brasil, Perú y Bolivia. Son prácticas que piensan su dimensión performativa, su capacidad de hacer presente las problemáticas posdictatoriales en atención a sus condiciones de posibilidad como dispositivo creador de sentido, por cuanto actualizan la pregunta por la representación y la comprensión de lo político.
La compleja escena contemporánea que vivimos interroga la pertinencia de un cine que apuesta por afrontar relatos incómodos, resignificar conflictos políticos y fomentar espectadores vigilantes. En un presente en que la posverdad y la inteligencia artificial reconfiguran la percepción de la realidad y que el activismo visual y audiovisual ha sido apropiado y reciclado en campañas ideológicas conservadoras, los análisis de este libro contribuyen a la reformulación de un estatuto de lo documental que permita hacer frente a nuevas preguntas sobre cómo recuperar el potencial disruptivo de las imágenes, para fortalecer una mirada crítica y emancipadora.

«Este libro abre un debate sobre el museo contemporáneo. Juan José Santos Mateo plantea una noción alternativa y radical: el museo hechizo, un espacio vivo, efímero y horizontal, que se teje en diálogo directo con agentes del arte y comunidades.
Frente al peso del museo tradicional, lastrado por jerarquías y herencias coloniales, el museo hechizo se presenta como una forma de resistencia, un territorio flexible donde la memoria, la creación y la crítica se encuentran.
A través de ejemplos concretos en América Latina –como el MICH en Chile o La Ene en Argentina–, Santos demuestra que este modelo no es una utopía teórica, sino una práctica ya en marcha, capaz de transformar nuestra manera de pensar el arte y sus instituciones.
Provocador y necesario, este libro invita a imaginar futuros posibles para los museos: espacios menos rígidos y más cercanos, capaces de reinventarse junto con las comunidades que los habitan. Al mismo tiempo, recuerda que el devenir de estas prácticas museales sigue abierto e incierto, y que justamente en esa incertidumbre reside su potencia transformadora.»

«A partir de la premisa de que cierta vertiente experimental del cine documental contemporáneo se abocaría sobre todo al devenir de las imágenes, Horizontes documentales examina la diversidad de recursos formales y dispositivos que desavienen la univocidad y tradición propia de la imagen documental, para concederle un nuevo estatuto de legibilidad.
Los nombres que se dan cita aquí son diversos: de Chris Marker a Radu Jude, de Apichatpong Weerasethakul a Harun Farocki, pasando por las obras multimediales de Zoe Beloff, Agnès Varda y Avi Mograbi. En un esfuerzo de recapitulación de treinta años de producción intelectual, Christa Blümlinger ofrece perspectivas de análisis en torno a obras que prestan atención a los efectos mnémicos de las imágenes y donde resuenan el ejercicio ensayístico, el trabajo de archivo y la dislocación del dispositivo del museo.
Ya sea a propósito de la autoexposición en clave grotesca de Mograbi, del empleo analítico del boceto de Gianikian y Ricci Lucchi, o de la exposición del anclaje epistémico de las imágenes por medio del registro y el montaje de Farocki, Blümlinger sondea con este libro distintas formas de indagar los insterticios temporales y epistémicos que hacen del despunte del cine un más acá y un más allá de la historia.»

Cuando pensamos en un «dispositivo», pensamos en un ensamblaje técnico, militar, legal, espectacular, representativo. Pensamos en Michel Foucault y en los dispositivos de poder; pensamos, si nos ceñimos al campo del cine, en la teoría de los dispositivos de los años setenta. Dispositivo puede ser sinónimo de medio. Un medio-objeto, que pone en relación y que funciona. Pero es más aún. A lo largo de estas páginas, el dispositivo se convierte en un ensamblaje de aparatos, prácticas, técnicas, teorías, conceptos, que permiten aprehender cualquier momento histórico a partir de las múltiples interacciones que lo constituyen.
Entre los estudios visuales y la arqueología de los medios, Maria Tortajada y François Albera proponen un método que permite abordar cualquier dispositivo representacional, independiente de su soporte, los sentidos a los que apela o el momento histórico en que se inscribe. Decir que «el dispositivo no existe» no es sino, en este contexto, la consecuencia epistemológica más radical que nos hace escapar del objeto concreto, material o hasta imaginario, para reconstruir las relaciones que dibujan las condiciones de posibilidad de nuestra experiencia. El dispositivo no existe es, de esa manera, una epistemología alternativa de los medios.

Durante siglos, la filosofía se ha centrado en comprender el conocimiento, la verdad y la realidad. Mientras que abundan explicaciones y análisis sobre los casos en los que el conocimiento es exitoso, se han dejado de lado fenómenos epistemológicos negativos tales como la ignorancia, la ilusión o el engaño, a pesar de nuestra evidente falibilidad. Sentido, sinsentido y subjetividad propone una teoría del pensamiento falso, mostrando que la equivocación es parte constitutiva de la subjetividad y que quien desea conocer, incluso en sus aciertos, nunca está libre de error. Frente a la tradición que concibe la subjetividad como autorrepresentación consciente e infalible, Gabriel propone una teoría que busca explicar cómo y por qué captamos la realidad de manera errónea. Ser alguien, aboga el autor, implica estar equivocado sobre algo. Este libro plantea una reflexión actual sobre la fragilidad del conocimiento, en tiempos donde lo verdadero y lo falso tienden a confundirse. Su apuesta, sin sucumbir a algún tipo de pesimismo o nihilismo, es que debemos liberarnos de la ilusión de una sociedad libre de ilusiones.

Probablemente no hay violencia que, por más vista o presenciada, por más que «solo puede ser buscada en el reino de los medios y no en el de los fines», no represente una dificultad a la hora de preguntar por su racionalidad. Crítica de la crueldad se sitúa en una categoría límite a la luz de esto: cuando el exceso de violencia invierte su propia lógica. Así, inútil y gratuita, la crueldad es un término incómodo respecto de cómo juzgarlo y entenderlo, sea en el marco de la soberanía o en la sociedad civil. Como crimen por placer que no responde a una causa comprensible, permanece impensada respecto de su fundamento, límite y razón. Serge Margel aborda este problema y lo hace a partir de las lógicas psíquicas de la crueldad y su relación con el poder soberano: una relación atravesada por la denegación que, al tiempo que resguarda la peculiaridad de dicha violencia desmedida, consolida la preservación de la soberanía; una soberanía que, al depender de la crueldad, se conforma en sus propios límites discursivos. Negar la crueldad no es solo fundamental para la coherencia política del ejercicio de la violencia, sino también para la linealidad histórica que la reviste de sentido. Por esta razón, discutir cómo las lógicas de la crueldad terminan por renegar y falsificar la escritura de la historia, y qué implica pensar la historia de la destrucción, empezaría entonces por no negar la huella política de la crueldad.

A excepción del Museo de Bellas Artes de Santiago, ninguno de los edificios donde Gordon Matta-Clark realizó sus intervenciones radicales se conserva en la actualidad. ¿Cómo podemos acceder hoy al profundo material de su obra? La autora de este libro sostiene que esta conexión se logra a través de su archivo. Para demostrarlo, se encarna en Ella, una investigadora chilena que llega a Montreal para estudiar el CP138, la colección de documentos de este arquitecto en el Centro para Estudios de la Arquitectura (CCA). Siguiendo las huellas de Arlette Farge, Javier Guerrero y otros especialistas en archivo, deseo y muerte, se enfrentará a ese asombroso encuentro con el pasado, a la dimensión más personal del autor que investiga. Sin embargo, quien narrará sus descubrimientos no será Ella, sino el propio archivo.
Ariel Florencia Richards ha escrito un texto magnífico y original sobre la vida, la obra y el legado de Gordon Matta-Clark. Combinando detalles biográficos con lecturas valientes de las obras más famosas de Matta-Clark, incluida la remodelación del Museo de Bellas Artes de Santiago, este libro tiene un impacto inmediato y permanente en la teoría trans y en la historia de la experimentación radical en el arte y la arquitectura.
-Jack Halberstam-

El pensamiento no es sino la respuesta a algo que le preexiste (una historia, una herencia, un hábito): pensar es recordar. La memoria, a este respecto, no consiste en extraer con un acto neutro saberes ya hechos del pasado, sino el modo en el cual damos activamente formas al sentido, lo inscribimos en el presente y asignamos significados a lo que nos ocurre. Así de profundo es el logos parte de esta premisa para interrogar aquello que constituye el pensamiento a la luz del ejercicio filosófico, en atención a la fragilidad que atraviesa el vínculo entre saber y logos, y a la oscuridad de este último. Sobre esta consideración, Andrea Potestà enfoca la práctica de la filosofía como práctica testimonial, en la cual el esfuerzo narrativo se sostiene en la necesidad infinita y creativa de construir un relato, un testimonio, que hereda a su vez el vértigo de los límites del lenguaje, la infinitud del logos y la confrontación abismada entre el yo y el tú, a saber, entre la distancia insoslayable en que el yo se enfrenta a lo distinto. Con una escritura que aúna el fragmento y el diálogo, este libro nos sitúa entre la proyección narrativa, sostenida y memoriosa, en la cual se proyecta el yo, y una narratología que evidencia los atajos discursivos y el carácter residual del enunciante: su sostén en reenvíos ficcionales y suplementos que no han de fijarse.

«Tradicionalmente descrito como italiano, comunista, homosexual, católico y poeta, Pier Paolo Pasolini, a los cuarenta años, decide dedicarse casi en exclusiva al cine, convencido de que solo así podría habitar esa realidad que decía amar con desesperación. ¿Qué encuentra en el cine frente a la poesía o la literatura? ¿Afecta esa elección formal su visión de mundo? ¿Qué sentido tiene plantearse aquellas interrogantes hoy?
Este ensayo busca responder a estas preguntas reconstruyendo el triple movimiento que sustenta la vigencia de su obra: el tránsito de la poesía al cine, la relación entre lenguaje y realidad, y el papel de la muerte en la formación de sentido histórico. El propósito de la autora es mostrar cómo la pregunta por los modos de vivir implica una disputa por las formas en las que el cine, como poética del presente, revela nuevas posibilidades de ser, pensar, sentir e imaginar.»

Este libro emerge como una intervención reflexiva en el panorama del arte contemporáneo latinoamericano, reuniendo trece conversaciones íntimas con artistas mujeres y disidencias desde una mirada feminista, crítica y afectiva. En un campo históricamente dominado por discursos masculinos, las voces aquí reunidas iluminan los obstáculos que éstas aún enfrentan y visibilizan los procesos creativos y redes de afectos que las sostienen, usualmente dejados de lado por las narrativas oficiales del arte.
Surgido en el contexto de la pandemia, el libro va tejiendo una red de diálogos que devienen encuentros horizontales. Cuestionando la falsa división entre vida y creación, cada artista comparte estrategias y memorias que configuran otras formas de hacer y pensar el arte. A través de estas páginas se despliegan relatos que exponen la tensión entre creación y vida cotidiana, el rechazo al productivismo en favor de temporalidades más reflexivas, la reivindicación del proceso por sobre el resultado, y la potencia política del cuerpo como territorio de resistencia.
Desbordar el cauce así celebra la entrevista como metodología intuitiva y relacional. Cada conversación nos invita a habitar el espacio entre obra y proceso, trazando un mapa vivo del arte situado en América Latina.

Entrevistas a: Paula Ábalos, Constanza Alarcón Tennen, Elisa Balmaceda, Pitzi Cárdenas, Gimena Castellón-Arrieta, Patricia Domínguez, Mercedes Fontecilla, Astrid González, Neyen Pailamilla, Wilkellys Pirela, Consuelo Rodríguez, Paula Salas, Amalia Valdés.

A modo de cartografía de problemas, lineamientos teórico-políticos e influencias intelectuales, Un devenir oblicuo propone trazar un recorrido en torno a la obra de Nelly Richard y la conformación de la crítica cultural, desde 1970 hasta el presente. De la Escena de Avanzada a la crítica de la memoria, Tomás Peters parte de la premisa de que el proyecto de crítica cultural estriba en hacer de la escritura una praxis política: en la medida que la distancia enunciativa –la sospecha frente a la eficacia comunicativa y pragmática de los dispositivos culturales— implica el ejercicio autorreflexivo hacia la escritura misma, el análisis crítico para Richard involucra una poética. Así, este libro enfoca el devenir de su ensayística que, por el hecho de que atiende la transformación del campo cultural nacional, y el cómo ciertas prácticas artísticas y fenómenos culturales trabajan sobre los modos de producción como medios de desavenencia, se desarrolla en una íntima constelación de influencia entre arte y teoría. En aras del cuestionamiento político, histórico y cultural, el seguimiento propuesto en estas páginas invita a pensar en cómo la crítica cultural abordará los desafíos del porvenir. Acaso la trayectoria de Richard, desde un comienzo, sugiere una respuesta.

En el último cuarto de siglo, ningún concepto académico ha permeado con más fuerza en el debate público que el de Antropoceno. Su idea básica es que, a contar de la invención de la agricultura hace alrededor de diez mil años, los seres humanos nos hemos convertido en una fuerza geológica inigualable. Este libro parte de la premisa de que la relevancia de esta discusión no se expresa únicamente en una preocupación por la crisis climática global, sino en el hecho de que nos obliga a repensar el tipo de especie que somos. Con ese objetivo, Daniel Chernilo reflexiona sobre los presupuestos e implicaciones antropocéntricos de procesos sociales muy significativos de la sociedad contemporánea: la globalización, la secularización y el cosmopolitismo. Humanos en el Antropoceno proporciona así claves para encarar desafíos y problemas que se condicen con la complejidad de configurar nuevas formas de convivencia.

«En Artista en obras, Bojana Kunst lee a través de una serie de piezas, cronologías y polémicas provenientes del mundo de las artes performativas, las formas de labor ocultas tras conceptos y prácticas tan mentados en el presente como performance, audiencia, colaboración, movimiento, virtuosismo o visibilidad. De lo que se trata es de pasar de un análisis de la obra de arte a una examinación del trabajo del artista y lo que verdaderamente produce. En el camino, lo que queda en evidencia es el lado no contemplado de la confluencia de arte y vida, alguna vez utópica y hoy constitutiva de nuestro malestar político, ético y estético contemporáneo.
Si bien las tesis de este libro son más bien pertinentes a las artes en tanto que laboratorio de las nuevas formas de trabajo posfordista, sería un error no ver más allá: al poner el foco en la labor de producción de subjetividad y su estrecha relación con la producción misma de valor en el régimen capitalista, las lecciones extraídas y las estrategias de superación sugeridas por Kunst pueden aplicarse a buena parte de las actividades laborales llevadas a cabo bajo el ojo vigilante del capital.»

La masculinidad se fundó en la idea de que el cuerpo del hombre se correspondía con el lugar del original, era principio de la materia, constituía su primera piel. No obstante, esta no siempre fue percibida como statu quo del cuerpo. Dicha ilusión de naturaleza, la idea de que el hombre ocupa el lugar de cuerpo neutro o, incluso, la percepción de que su cuerpo es un componente implícito o del todo ausente en la idea de la masculinidad, forma parte de un grupo de operaciones performativas que ha necesitado tiempo para perpetrarse. Drag Kings: arqueología crítica de masculinidades espectaculares en Latinx América se propone discutir el porvenir del género en el espacio desigual, plural y contradictorio que hemos llamado Latinx América. Partiendo del drag king show y de lo que proponemos como masculinidad espectacular —aquella masculinidad hiperbólica que usurpa el espacio de privilegio y centralidad que se le otorga a la masculinidad del hombre—, planteamos una sistemática arqueología de la puesta en escena de las muchas masculinidades y su capacidad de generar crisis en el heterosexismo, máquina de producción de sentidos a la que se le ha encomendado la programación binaria del género.

Un caballo nunca es solo un caballo. Es historia, cuerpo, poder y pérdida. En estas meditaciones personales y filosóficas, Federico Galende explora la figura del caballo como animal nunca apropiable y como signo político y cultural. Desde las sierras de Córdoba y la potranca de su infancia hasta las caídas de San Pablo, las pinturas de Ivana de Vivanco o el monumento de Baquedano, el libro traza un recorrido que une experiencia, pensamiento y literatura. El caballo aparece como compañero y como fuerza extraña entre lo domesticado y lo salvaje. Con un lenguaje preciso y reflexivo, Galende piensa la justicia, la historia y la fragilidad humana desde la mirada de un animal que nunca termina de ser nuestro. Un libro entre el ensayo y la memoria, que interroga la intensidad de un vínculo persistente y enigmático.

«El amor no es una certeza inequívoca. Aunque parece irreductible, adherido a lo más hondo de la carne individual, hablamos de amor con los demás y nos entendemos. Cuando decimos «te amo» exigimos una confirmación por parte del mundo. Y porque somos capaces de levantar esa exigencia, el amor constituye la experiencia de un suelo común. ¿Cómo se ha construido el marco para una experiencia así, radicalmente singular y a la vez posible por medio del otro? Sin duda, porque se ha establecido un lenguaje sin el cual ningún amor tendría existencia.
En El lenguaje del amor. Figuraciones de la transferencia desde Platón hasta Lacan, Achim Geisenhanslüke ofrece un recorrido posible para el amor, en particular para el amor de transferencia, a partir de la escena fundacional del Banquete de Platón. En un entramado de saltos y piruetas, pasando de la filosofía al psicoanálisis para volver a la literatura, Geisenhanslüke visita diversas escenas amorosas y muestra en cada una de ellas la codificación específica de un tipo de amor asociado a expectativas literarias y culturales que sitúan, al menos en parte, la naturaleza de los sentimientos en la realidad lingüística de los amantes. Y por eso, aunque nos entendamos, nos cuesta hablar de amor, porque «la teoría del amor es desde siempre un discurso erotizado sin llegar a ser literatura».»

Cobra es una obra que fusiona dibujos y grabados con un relato, creando una experiencia única que puede ser vista como una exposición de arte, un ensayo, un cuento, un álbum ilustrado, un cómic, incluso una película. A través de esta multiplicidad, se entrelazan elementos narrativos de ficción y realidad, construyendo una historia que se semeja tanto a las novelas de misterio como al ensayo histórico.
Por un lado, el libro se centra en algunos episodios de tortura ejercidos en los últimos quince años por agentes del Estado chileno, que suceden en un contexto más amplio de violencia identificado como posdictadura. Por otro lado, su imaginario gráfico se basa en diferentes técnicas y registros, cuya variedad apunta a imágenes de corte masivo desarrolladas en distintas épocas, tales como las liras populares, el cómic y el cine.
Cobra, es un libro crítico y poético capaz de interpelar la compleja y violenta realidad chilena de los últimos años, irrumpiendo en ella justo en un momento de escasez de formas sensibles que no estén determinadas por la espectacularidad técnica de la industria audiovisual ni por la especialización artística.

En Desmarcar el territorio, Carla Macchiavello Cornejo realiza un análisis crítico de las prácticas performativas, conceptuales y estéticas que surgieron en Chile en oposición a la dictadura, centrándose en sus discursos territoriales y nacionalistas. El libro examina cómo artistas, agrupaciones, espacios culturales y críticos desmantelaron las imágenes patrióticas, patriarcales y heteronormativas promovidas oficialmente, y cómo enfrentaron los legados del colonialismo en sus reformulaciones neoliberales, especialmente en sus actos de borradura y violencia. Además, se cuestionan las relaciones ambivalentes que artistas y críticos establecieron con los márgenes durante los primeros diez años de la dictadura, planteando que ubicarse en el margen «no necesariamente implicaba abrirse a considerar a “otros” como productores de sus propios discursos y conocimientos ni alterar radicalmente el campo de lo que se entiende por arte y sus jerarquías implícitas». Finalmente, la autora explora la posibilidad de crear nuevas solidaridades en las diferencias, proponiendo acercamientos originales a los archivos, que permiten ampliar la discusión sobre obras y exposiciones del periodo con el fin de revisar la construcción de sus mitologías.

«El cine en los pliegues de la historia explora la relación entre el cine y la historia en algunas producciones audiovisuales realizadas en Argentina y Chile. M. Laura Lattanzi Vizzolini nos lleva a descubrir cómo las imágenes en movimiento pueden desafiar las narrativas históricas tradicionales y ofrecer nuevas perspectivas sobre el pasado.
Desde las desoladas tierras patagónicas hasta los vibrantes paisajes de la Araucanía, este libro examina cómo los cineastas Lisandro Alonso, Lucrecia Martel, Niles Atallah e Ignacio Agüero, han utilizado el cine para cuestionar y reimaginar la historia. A través de un análisis detallado de sus películas, Lattanzi Vizzolini revela cómo el cine puede convertirse en un dispositivo de montaje de temporalidades, desafiando la linealidad y la causalidad de los relatos históricos convencionales.
El cine en los pliegues de la historia es una invitación a sumergirse en la riqueza estética y la complejidad de las imágenes cinematográficas. Con una prosa envolvente y un enfoque crítico, este libro es esencial para cualquier amante del cine y la historia que desee comprender cómo las imágenes pueden convulsionar el tiempo para imaginar otros pasados, producir nuevas formas de mirar y abrir posibilidades de futuro.»